Zamenhof Art
ZAMENHOF ART
E-mail:
galleria.zamenhof@gmail.com
WHATSAPP e CELLULARE 3392939712
Canale YouTube:
https://www.youtube.com/channel/UCxSj1zfT3WIkWXCKbg19mVQ
SEDI ESPOSITIVE PERMANENTI:
Vi.P. Gallery
Valcamonica
Virgilio Patarini
Arte Contemporanea
via Nazionale, 35,
25050 Niardo (BS)
Aperta venerdì, sabato e domenica h16,30-19,30 (salvo eventi o mostre particolari) Altri giorni e orari su appuntamento. Ingresso Libero.
Cell. 3392939712;
E-mail: galleria.zamenhof@gmail.com
Profilo Instagram:
https://www.instagram.com/vi.p.gallery/
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https://www.facebook.com/Vip-Gallery-Virgilio-Patarini-Arte-Contemporanea-
Galleria ItinerArte - Vi.P. Gallery Venezia
Rio Terà della Carità -1046 Dorsoduro - VENEZIA
(dal 1 settembre 2021)
Per orari apertura vedi spazio dedicato. Ingresso Libero. Cell. 3392939712; E-mail: galleria.zamenhof@gmail.com
Pagina Facebook:
Museo di Nadro - Area 42 - Riserva Naturale Incisioni Rupestri di Ceto, Cimbergo e Paspardp (BS)
DAL 6 SETTEMBRE 2021 in collaborazione con ArchExperience
Spazi espositivi a Nadro (Ceto) in via Piana 29 e in via Piana 42-
Aperto tutti i giorni dalle 9 alle 16 (orario invernale: fino alle 17 in estate) - dal 20 dicembre al 20 febbraio: tutti i giorni dalle 10 alle 14- sabato e domenica fino alle 16
tel 0364 433465
Vi.P. Gallery
Milano Virgilio Patarini
Arte Contemporanea
Alzaia Naviglio Grande, 4 MILANO
CHIUSA DAL 1 SETTEMBRE 2021 Cell. 3392939712; E-mail: galleria.zamenhof@gmail.com
Pagina Facebook:
IL NET-WORK
GALLERIE E SPAZI con cui ZAMENHOF ART e VI.P. GALLERY collaborano stabilmente
MUEF Art Gallery
via Angelo Poliziano, 78b - ROMA
Direzione artistica: Francesco Giulio Farachi, in collaborazione con Roberta Sole
E inoltre:
Museo CaMus di Breno (BS)
Museo Le Fudine di Malegno (BS)
Torre Medievale di Cividate Camuno (BS)
e altre realtà in Valcamonica
(vedi pagina dedicata alla Biennale della Valcamonica)
ZAMENHOF ART in 3 punti e poche parole
1. Dal 1998 ad oggi Zamenhof Art ha organizzato oltre 400 mostre a Milano, Roma, Napoli, Torino, Venezia, Ferrara, Piacenza, Lecce e in tutta Italia e realizzato circa 150 cataloghi d'arte, una decina dei quali con l'Editoriale Giorgio Mondadori.
2. Gli spazi gestiti in permanenza, dal 1998 ad oggi, a Milano, sono stati : la Basilica di S. Celso (1999-2002), l'Atelier Chagall (2003-2013), la Galleria Mirò (2005/2006), la Galleria Zamenhof (2008-2013), lo Spazio E (dal 2013). A Torino: la Galleria20 (2013/2014). A Ferrara, 2015-2016 la Camel Home Gallery.
3. Tra gli spazi più prestigiosi che hanno ospitato mostre e progetti Zamenhof Art, nel corso degli anni, ricordiamo: Castel dell'Ovo a Napoli (2016), Palazzo Racchetta a Ferrara (2010-2015), Palazzo Zenobio a Venezia (2012), Castello di Carlo V a Lecce (2010, 2011, 2012), Castello Estense di Ferrara (2010), Pinacoteca Civica e Palazzina Liberty di Imperia (2009), Castello Malaspina di Massa (2010), Palazzo Guidobono a Tortona (2012)
Pur avendo talvolta (raramente) realizzato mostre o cataloghi di artisti storici o storicizzati (come ad esempio Mario Schifano o Riccardo Licata), l'attività di Zamenhof Art è rivolta principalmente alla promozione di artisti giovani o comunque emergenti, out-siders, selezionati sulla base della qualità e dell'originalità, senza nessuna indulgenza a fenomeni di moda, a ragioni di censo o a clientelismi: artisti che siano capaci di coniugare perizia di esecuzione tecnica e freschezza di idee, tradizione e avanguardia, radici culturali e originalità.
UN'IDEA DI ARTE CONTEMPORANEA CHIAMATA "ZAMENHOF ART"
" Il tempo delle Avanguardie è finito. Si è aperto con l’Impressionismo e si è chiuso con la Transavanguardia. Per oltre un secolo ogni nuova generazione di artisti ha cercato di smarcarsi dalla generazione precedente proponendo una nuova, differente idea di arte contemporanea. Ora tutto questo sembra non funzionare più. Il meccanismo pare inceppato. A partire dal discorso generazionale.
Il progetto espositivo ed editoriale che da anni risponde al nome di “Zamenhof Art” mette in luce proprio ciò, presentando, di volta in volta, in contesti diversi e con diversi abbinamenti e articolazioni, una nuova ‘generazione’ di artisti che anzichè inseguire il nuovo a tutti i costi, rinnegando il lascito delle generazioni precedenti, cerca piuttosto di definire un linguaggio comune per l’arte contemporanea, una sorta di “koinè”, facendo tesoro delle ‘invenzioni’ delle Avanguardie, attraverso un paziente, complesso, raffinato processo di sintesi e contaminazioni.
E una prova lampante che un certo ‘meccanismo’ sia saltato balena agli occhi di tutti se si sofferma l’attenzione, senza pregiudizi ideologici, su di un fatto concreto, tangibile, facilmente riscontrabile: da molti anni ormai si è annullato un qualsiasi significativo ‘scarto generazionale’. Non a caso nel selezionare opere e artisti per questo progetto che in definitiva mira a definire al meglio che cosa si intenda per ‘Post-Avanguardia’ si è dovuto sempre necessariamente prescindere da vincoli generazionali.
Per la prima volta, da oltre un secolo a questa parte, artisti di tre generazioni differenti stanno uno accanto all’altro e parlano (più o meno) la stessa lingua. E ad ascoltarla con attenzione ci suona come una lingua nuova e antica allo stesso tempo: inaudita eppure riconoscibile. Originale ma decifrabile". (V.P.)
Roberto Lorenzini
NOTA BIOGRAFICA
Roberto Lorenzini nasce a Mori (Tn) nel 1964 e vive a Rovereto dal 1998. Pittore autodidatta, inizia il suo percorso artistico all’età di trent’anni esercitandosi nell’ambito della figurazione e successivamente sviluppa particolare interesse per le opere con applicazioni di materiali ed oggetti semplici di uso quotidiano come carta, legno accostati a dischi in vinile, cd, nonché tazzine, piatti, posate in ceramica o materiale plastico, creazioni in gesso e strutture metalliche in genere.
Si libera quindi dal racconto figurativo per affrontare il tema della spazialità elaborato nelle sue opere con l’inserimento dei materiali anzi citati.
Nei suoi quadri si possono individuare delle costanti, quali l’accostamento di due colori principali che, con le loro sfumature ed assieme a getti di colori diversi, portano lo spettatore ad apprezzare il tripudio di colori sapientemente accostati e captati al primo sguardo.
Le sue creature nascono da emozioni che l’artista percepisce da eventi che gli si presentano in maniera spontanea, capta vibrazioni da notizie di ogni genere, da eventi pubblici o da situazioni in cui si trova a vivere in quel momento.
Spesso egli appone fogli di spartiti o pagine di testo facendo emergere quell’affinità sottile, ma da egli percepita in maniera consistente, tra la carta ed i vari soggetti applicati, elementi così distanti ma così vicini come la musica volatile e fisicamente impalpabile e la materialità degli elementi.
Il rapporto suono-colore è molto presente nelle sue opere, quel colore che l’artista più che vedere ama ascoltare nelle molteplici tonalità.
Con le sue creazioni egli vuole esprimere il concetto del colore a tuttotondo, colore che si presta in modo esemplare a ricoprire tutti gli oggetti utilizzati per la creazione dell’opera, accostamenti di tonalità che sembrano quasi derivare da un’attività ludica finalizzata all’ottenimento di connubi cromatici di grande rispetto.
Roberto Lorenzini riesce a raccontare fatti ed emozioni della vita con l’aiuto di materiali, poveri o nobili che siano, e dei colori che, in quel momento, diventano alleati essenziali per la nascita di quelle opere che egli solo immagina e di getto crea.
NOTA CRITICA
Egli fa uso di carta, di pagine di giornale e di libri, che fanno da sfondo a dischi in vinile, a legni, tazze, posate in ceramica, forchette di metallo, oggetti plastici e creazioni in gesso, e vari elementi che egli trasfigura componendo quadri con diverso materiale in un vasto e mirabile “assemblage” su iuta.
Definisco la ricerca artistica di Roberto Lorenzini una ricerca “metamorfica neo concettuale”, rientrando nel novero di coloro che fanno della”dialettica delle forme”, il loro campo di battaglia in opposizione
all’ ”estetica delle forme”, (il figurativo tradizionale). Ma nella ricerca di questo artista prendono consistenza altri motivi ascendenti e spirituali: una elevazione del “simbolo” a miraggio dell’umanità. Tutto è illusione, mimesi della realtà. Diceva il Buddha che “nulla è duraturo” tutto è apparenza.
Scaturisce dall’opera di Roberto Lorenzini una personale “empatia”,
che è la proiezione dei propri sentimenti negli oggetti inanimati, i quali affastellati e messi assieme vivono una loro intima realtà che a noi sfugge. Il concettodel’ “Kunstwollen”, termine tedesco che significa
volontà d’arte, viene suggerito da Alois Rigl che vide in diversi motivi dell’arte indigena dell’Africa e dell’Oceania, una risorgente vitalità di ogni opera d’arte, purché si rispetti il desiderio intimo dell’ artista di esprimere la purezza immacolata del proprio ideale. Ecco perchè ho sempre sostenuto ( sulla scia di Marcuse) che
“l’arte è la ricerca ontologica delle forma “ . Quando per “ontologica” ci si riferisca al divino.
In questo senso le opere di Roberto Lorenzini sono valide.
Antonino De Bono